“L’opera vive del modo in cui la guardiamo. Non si limita né a ciò che è né a chi l'ha prodotta, è fatta anche di chi la guarda. La mia pittura è uno spazio d’interrogazione e meditazione in cui i significati ad essa attribuiti possono farsi e disfarsi.” [Pierre Soulages]

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Joëlle Cabanne è artista e architetto, la sua profonda conoscenza di diverse discipline che vanno dalla storia dell'arte alla storia del cinema, contribuisce alla creazione di un substrato che favorisce la coesistenza, sul terreno dell'opera, di una ricerca estetica tangibile (o visibile) così come del suo opposto quindi dell'intangibile, dell'astrazione e dell'immateriale spirituale.

Utilizzare il lato concreto dell'opera (supporto, colore, segno) e la sua esistenza fenomenologica in quanto elemento visivo, è per l'artista, il punto di partenza per avviare un dialogo che permetta al suo pubblico di immergersi in un universo artistico generatore di nuove forme di verità e bellezza.

L’inesistenza di un metodo univoco capace di dettare l’approccio iniziale alle sue opere sembra voler manifestare un atto di introspezione. Infatti, come dimostrano le neuroscienze, il cervello umano tende a rifiutare nell'immediato, tutte quelle astrazioni che gli impediscono di identificare, ad esempio su una superficie, una forma che non è in grado di riconoscere.

Nel caso dei dipinti della serie InProcess, costituiti da campi cromatici blu, l'osservatore potrebbe essere portato a giungere a delle conclusioni affrettate, individuando come soggetto dell'opera il colore blu, la sua disposizione nello spazio dipinto e la sua intensità cromatica a livello materico, ma nulla è difficile come l'apparente semplicità.

Contemplare le opere di Joëlle Cabanne è un'esperienza multidimensionale complessa presentante diverse analogie con l'osservazione del cielo. Se dalle conoscenze sensoriali legate alla vista del cielo, siamo in grado di spingere la nostra riflessione ben oltre il semplice fenomeno ottico, non solo potremo affermare che il cielo è blu, ma anche concepire che tale colore, considerato come una realtà oggettiva, non sia dovuto che alla dispersione della luce solare in particolari condizioni atmosferiche. In questo caso specifico, dobbiamo ammettere che aprire la porta della visione ad una realtà cromatica è un'esperienza sia concreta che astratta. Allo stesso modo, con l'atto di dipingere su supporti di carta o su tele di grandi dimensioni composte da sfumature di blu, l'artista conferisce con un gesto di generosità, un ruolo attivo al suo pubblico che diventa capace di aprirsi al proprio sguardo mettendo in discussione la propria visione e meravigliandosi di questo senso che definisce il suo modo di relazionarsi all'esterno.

Se Helen Frankenthaler, una delle maggiori artiste del Color Field Painting, sviluppa la tecnica dello steined color, attraverso la quale la pittura viene utilizzata come se fosse del colorante e quindi impregnando direttamente nella tela, Joëlle Cabanne crea i propri strumenti per dipingere con l'inchiostro. Utilizzando bastoncini di legno di balsa o rami flessibili raccolti alla fine dell'inverno, può controllare il liquido, lasciando anche un certo spazio al caso. Stabilire attraverso un rituale, un rapporto diretto con l'inconscio è l'altra specificità del processo adottato dall'artista. In primo luogo, instaura una situazione di assoluta calma. Poi, l'ascolto interiore le permette di ricevere messaggi da forze profonde, questo processo creativo dura fino a quando la sua mano è così stanca che nulla è più in grado di apparire. Infine, l'artista taglia i suoi fogli in forme rettangolari per riassemblarli in situ nello spazio espositivo. Da questo nuovo punto di vista, il singolo ha il potere di evocare il valore unitario dell'opera, che non è costituito da multipli, ma da una pluralità di elementi distinti.

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                                                                                                  Eleonora Pimponi, storica dell’arte (2022)